DALÍ ATÓMICO

Perpetrado por Oskarele

Esta impresionante fotografía fue realizada por Philippe Halsmann, genial fotógrafo estadounidense, que ostenta el record de mayor numero de portadas de la revista Life (101) y que fue colaborador del genial Dalí durante casi cuatro décadas, destacando especialmente el libro “Dalí´s mustache” y esta obra, llamada “Dalí Atomicus”, que junto a su famosa colección de famosos saltando (Jump Portraits), le hicieron enormemente conocido. 

El “Dalí Atomicus”, proyecto ideado por ambos, explora la idea de la suspensión, tres gatos volando, el agua lanzada desde un balde (en un principio iban a hacerlo con leche, pero pensaron que no iba a estar bien visto), un caballete, una silla y Salvador Dalí, todos aparentemente suspendidos en el aire. El título de la fotografía hace referencia a la obra de Dalí “Leda atómica” (que se puede ver a la derecha de la fotografía, detrás de los gatos), que sirvió de inspiración a esta movida.

El fotógrafo, que realizó la obra en su estudio de Nueva York, dijo que se realizaron 28 intentos para lograr un resultado satisfactorio, durante más de cinco horas de trabajo.

Esta es la versión sin retocar de la fotografía que se publicó en la revista Life. En ella se pueden ver los cables que sujetaban el caballete (que tiene el marco vacio) y la pintura, así como una mano que sostiene la silla (es la mano de la esposa de Halman), cosas que no se ven en el montaje final. 

Un dato curioso sobre la toma, es que tenían que conseguir que los gatos no apareciesen con gestos de sufrimiento, que no se pudiese pensar que se los había maltratado, ya que la ley vigente en Estados Unidos les podría haber causado más de un problema. De hecho, el propio Halsman declaró en una entrevista: “Mis ayudantes y yo estábamos agotados, completamente mojados y sucios. Solamente los gatos parecían como nuevos”.

Mas info y fuentes por aquí: http://blogs.deia.com/momentodecisivo/2011/06/26/philippe-halsman-jump/, aquí: http://en.wikipedia.org/wiki/Philippe_Halsman, aquí:http://bajoelsignodelibra.blogspot.com.es/2012/01/salvador-dali-philippe-halsman.html , aquí: http://sanachikayenikan.blogspot.com.es/2010/06/philippe-halsman-dali.html, aquí: http://es.wikipedia.org/wiki/Salvador_Dal%C3%AD, aquí:http://www.foro-cualquiera.com/imagenes-avatars/96114-dali-atomicus-philippe-halsman-1948-increible-fotografia.html

NOCTURNOS.

El nocturno es una pieza de música vocal o instrumental, de melodía dulce y estructura libre.
La denominación "nocturno" se le daba, en una primera instancia, en el siglo XVIII, a una pieza tocada a momentos, generalmente en fiestas de noche y después dejadas a un lado.

Algunas veces llevaba consigo el equivalente italiano, notturno, con trabajos como el Notturno en D para cuatro orchestras, K.286, y la Serenata Notturna, K. 239, de Mozart. Para esa época, estas piezas no eran necesariamente inspiradas o evocadoras de la noche, pero habían sido escritas para que las tocaran en la noche, como sucede con las serenatas.
En su forma más común (vale decir, como una pieza de un solo movimiento generalmente escrita para un solo de piano), el género fue cultivado principalmente en el siglo XIX. Los primeros nocturnos escritos con ese nombre fueron compuestos por John Field, generalmente visto como el padre del nocturno romántico, que tiene una característica melodía cantabile con un acompañamiento arpegiado, incluso muy similar al de una guitarra.
Sin embargo, el más famoso exponente de esta música fue Frédéric Chopin, que escribió 21 de ese tipo. Entre los compositores posteriores que escribieron nocturnos para el piano se encuentran Gabriel Fauré, Alexander Scriabin y Erik Satie. Una de las piezas más famosas de música de salón del siglo XIX fue el Quinto Nocturno de Ignace Leybach, quien está en el olvido.
Otros ejemplos de nocturnos incluyen el nocturno para orquesta de la música de Felix Mendelssohn para Sueño de una noche de verano (1848), el seguido de tres nocturnos para orquesta y coro femenino de Claude Debussy (que también compuso uno para piano) y el primer movimiento del Concierto para Violín Número 1 (1948) de Dmitri Shostakóvich. El compositor francés Erik Satie compuso una serie de cinco pequeños nocturnos. Estos eran, sin embargo, bastante diferentes a los de Frédéric Chopin y John Field, basados en acordes menores.
El primer movimiento de la Sonata de Claro de Luna de Beethoven, ha sido también considerado un nocturno (justamente, Ludwig Rellstab, que le dio el nombre a la pieza, lo veía como un evocativo de la noche), a pesar de que Beethoven no lo describiera como tal.
Los nocturnos son vistos generalmente como piezas tranquilas, seguidamente expresivas y líricas, y ciertas veces un tanto oscuras, pero en piezas con ese nombre han llevado a la mente de la gente diversos sentimientos: el segundo nocturno para orquesta de Debussy, Fêtes, por ejemplo, es muy activo.

La palabra fue usada posteriormente por James McNeill Whistler como título de algunas pinturas suyas, relacionadas con su teoría, que establecía que el arte debería ser esencialmente relacionado con el hermoso arreglo de los colores en armonía. Los nocturnos de Debussy fueron inspirados por las pinturas de Whistler. Poco después, varios pintores imitaron lo de nombrar así sus piezas.

Extraído de http://es.wikipedia.org/wiki/Nocturno

GUSTAV KLIMT

(Viena 1862 – Viena 1918)

Gustav Klimt fue el más famoso de los artistas austriacos de su tiempo. Pero pese a eso, los aspectos personales de su biografía son todavía hoy un misterio apenas desvelado. Sólo es posible revisar los hechos de su trayectoria pública; algo a toda luces insuficiente para esclarecer las complejidades de una obra refinada y hermética, cuyo elaborado simbolismo se atiene a menudo a claves íntimas.

Nació en Baumgarten, cerca de Viena, en el seno de una familia de tradición artesana que, en parte, reflejaba la pluralidad nacional del Imperio austrohúngaro. Su madre era vienesa, y su padre, Ernst Klimt, orfebre de origen bohemio que orientó a sus tres hijos varones –del matrimonio nacieron también cuatro hijas- hacia su mismo camino profesional.

De esta forma, Gustav Klimt, el mayor de los varones, ingresa en 1876 en la Escuela de Artes Aplicadas del Museo Imperial de Arte e Industria de Viena, institución fundada pocos años antes con el fin de mejorar la situación de las artes industriales en el Imperio. Allí se hará con una sólida formación técnica y teórica y, al terminar sus estudios en 1883, constituye con su hermano Ernst y su compañero Franz Matsch la “Compañía de artistas”.

La Administración imperial estaba empeñada en la promoción de las artes decorativas, y el proyecto monumental de la Ringstarre –una avenida circular en torno al casco histórico de Viena donde se localizarían los principales edificios institucionales y culturales del Imperio-, entonces en plena realización, proporcionaba una inmejorable oportunidad a artistas, arquitectos y artesanos. Después de foguearse en algunos encargos lejos de la capital –como la decoración del Teatro Municipal del Fiume, en Croacia, entre 1883 y 1885-, los tres socios decoran la escalinata del Burgtheater entre 1886 y 1888 y, tres años después, su éxito les vale el encargo de las pinturas decorativas para las enjutas e intercolumnios de la escalera del Museo de Historia del Arte, otro de los grandes edificios de la Ringstrasse.

En 1888, por otra parte, Klimt había pintado para el concejo vienés una vista interior del viejo Burgtheater que le valió en 1890 el Premio del Emperador. Con menos de treinta años, Klimt era ya uno de los artistas más prestigiosos de Viena.

La muerte de Ernst en 1892 pone fin a la “Compañía de artistas”, pero la reputación de Klimt alcanza su cima apenas dos años después, con el encargo de tres paneles sobre la Filosofía, la Medicina y la Jurisprudencia para el techo del Aula Magna de la Universidad, también en el Ringstrasse vienesa. A partir de entonces, el idilio de Klimt con la Aministración imperial empieza a enturbiarse. Así, en 1897, el pintor encabeza la fundación de la Secesión, un grupo de artistas y arquitectos vieneses que se separa de la Asociación de Artistas con la declarada voluntad de afirmar la modernidad artística y poner la escena vienesa en contacto con las nuevas tendencias europeas.

En 1905, Klimt y otros artistas próximos a él abandonan la Secesión, aunque mantienen los mismos ideales, expresados en la gran exposición de la Kunstschau de 1908.

Klimt no se casó, aunque tuvo varios hijos naturales, de los que reconoció al menos tres.

La obra de Gustav Klimt reúne: la singularidad, la impresión de que en ella se encierran claves íntimas; pero, al mismo tiempo, es una síntesis casi exhaustiva de las inquietudes, tendencias y lenguajes de la convulsa escena artística moderna europea de los años del cambio de siglo. Klimt alentó la modernización y la apertura del arte austriaco a las tendencias europeas; en él confluyen la influencia del Jugendstil alemán de Munich, el Modern Style escocés de Mackintosh y la lección de impresionistas y posimpresionistas franceses con la herencia simbolista del romanticismo alemán y nórdico.

El objetivo de Klimt era un arte idealista y autorreferencial, liberado de hipotecas y compromisos más allá de sus exigencias intrínsecas.

Salvo contadas excepciones, consagró sólo a mujeres su celebrada faceta de retratista y sus personajes alegóricos encuentran una traducción femenina. El significado de lo femenino en Klimt siempre ha sido un asunto controvertido para la crítica. La mujer es el catalizador mítico del simbolismo de Klimt, imagen de la vida y de la muerte; amenaza y promesa a un tiempo.

Les dejo una página donde se puede disfrutar de sus obras.
http://www.mystudios.com/artgallery/G/Gustav-Klimt/Gustav-Klimt-oil-paintings-1.html

La imagen es “El beso”, una de sus pinturas más famosas.

ARTE CON ALIMENTOS.

Carl Warner es un fotógrafo londinense que cuenta con una serie de fotografías en las que se basa en los alimentos cotidianos para realizar sus imágenes/composiciones. Con una originalidad e imaginación fuera de duda utiliza una mesa de 1,2m x 2,4m además de verduras y hortalizas para sus foodscapes. No es su única faceta, ya que además fotografía objetos estáticos, gente o paisajes con unos resultados muy buenos.

Fuente: Wikipedia.

LA LUNA

Cuenta la historia que en aquel pasado
Tiempo en que sucedieron tantas cosas
Reales, imaginarias y dudosas,
Un hombre concibió el desmesurado

Proyecto de cifrar el universo
En un libro y con ímpetu infinito
Erigió el alto y arduo manuscrito
Y limó y declamó el último verso.

Gracias iba a rendir a la fortuna
Cuando al alzar los ojos vio un bruñido
Disco en el aire y comprendió, aturdido,
Que se había olvidado de la luna.

La historia que he narrado aunque fingida,
Bien puede figurar el maleficio
De cuantos ejercemos el oficio
De cambiar en palabras nuestra vida.

Siempre se pierde lo esencial. Es una
Ley de toda palabra sobre el numen.
No la sabrá eludir este resumen
De mi largo comercio con la luna.

No sé dónde la vi por vez primera,
Si en el cielo anterior de la doctrina
Del griego o en la tarde que declina
Sobre el patio del pozo y de la higuera.

Según se sabe, esta mudable vida
Puede, entre tantas cosas, ser muy bella
Y hubo así alguna tarde en que con ella
Te miramos, oh luna compartida.

Más que las lunas de las noches puedo
Recordar las del verso: la hechizada
Dragon moon que da horror a la halada
Y la luna sangrienta de Quevedo.

De otra luna de sangre y de escarlata
Habló Juan en su libro de feroces
Prodigios y de júbilos atroces;
Otras más claras lunas hay de plata.

Pitágoras con sangre (narra una
Tradición) escribía en un espejo
Y los hombres leían el reflejo
En aquel otro espejo que es la luna.

De hierro hay una selva donde mora
El alto lobo cuya extraña suerte
Es derribar la luna y darle muerte
Cuando enrojezca el mar la última aurora.

(Esto el Norte profético lo sabe
Y tan bien que ese día los abiertos
Mares del mundo infestará la nave
Que se hace con las uñas de los muertos.)

Cuando, en Ginebra o Zürich, la fortuna
Quiso que yo también fuera poeta,
Me impuse. como todos, la secreta
Obligación de definir la luna.

Con una suerte de estudiosa pena
Agotaba modestas variaciones,
Bajo el vivo temor de que Lugones
Ya hubiera usado el ámbar o la arena,

De lejano marfil, de humo, de fría
Nieve fueron las lunas que alumbraron
Versos que ciertamente no lograron
El arduo honor de la tipografía.

Pensaba que el poeta es aquel hombre
Que, como el rojo Adán del Paraíso,
Impone a cada cosa su preciso
Y verdadero y no sabido nombre,

Ariosto me enseñó que en la dudosa
Luna moran los sueños, lo inasible,
El tiempo que se pierde, lo posible
O lo imposible, que es la misma cosa.

De la Diana triforme Apolodoro
Me dejo divisar la sombra mágica;
Hugo me dio una hoz que era de oro,
Y un irlandés, su negra luna trágica.

Y, mientras yo sondeaba aquella mina
De las lunas de la mitología,
Ahí estaba, a la vuelta de la esquina,
La luna celestial de cada día

Sé que entre todas las palabras, una
Hay para recordarla o figurarla.
El secreto, a mi ver, está en usarla
Con humildad. Es la palabra luna.

Ya no me atrevo a macular su pura
Aparición con una imagen vana;
La veo indescifrable y cotidiana
Y más allá de mi literatura.

Sé que la luna o la palabra luna
Es una letra que fue creada para
La compleja escritura de esa rara
Cosa que somos, numerosa y una.

Es uno de los símbolos que al hombre
Da el hado o el azar para que un día
De exaltación gloriosa o de agonía
Pueda escribir su verdadero nombre.

Jorge Luis Borges

LOS EMBAJADORES, LA ANAMORFOSIS Y EL SIMBOLISMO…

Perpetrado por Oskarele

¿Veis algo raro en la imagen de aquí arriba? Imagino que algunos sabréis a que me refiero. E imagino que otros cuantos verán una forma extraña y aparentemente informe en el primer plano de la pintura, sin tener ni idea de que es… pues os enterareis al final de este texto, porque antes me voy a enrollar un poco con este cuadro, una de las obras maestras de este autor, lleno de simbolismo y de secretos.
La obra es conocida por el nombre “Los embajadores”, pero en realidad se llama “Jean de Dinteville y Georges de Selve” y fue pintado por Hans Holbein el Joven (1497-1543), hacia 1533.

Este pintor alemán, hijo y discípulo de Hans Holbein el Viejo, se hizo famoso por sus retratos de Erasmo de Rotterdam, representado en su estudio, y la serie de xilografías sobre la Danza de la muerte. Por su visión crítica de la Reforma protestante, hubo de trasladarse a Inglaterra en 1526, portador de una carta de recomendación de Erasmo para Tomás Moro. En Londres ejecutó un retrato de la familia de Moro que constituye un hito en la retratística europea por representar a todos los personajes de cuerpo entero y en el interior de su propia vivienda, algo totalmente inhabitual por entonces.

En 1528 regresó a Basilea, pero los cambios en el ambiente de la ciudad lo movieron a trasladarse de nuevo a Londres (1529), donde poco después fue nombrado pintor de Enrique VIII. En estos años realizó una magnífica serie de retratos del rey y su familia, así como el cuadro que nos ocupa.

Es importan conocer un poco el contexto político religioso del momento para captar mejor la obra. Tenemos, por un lado a cuatro reyes: el de Francia Francisco I y el de Inglaterra, Enrique VIII, el emperador romano germánico Carlos V (Carlos I de España) y el papa Clemente VII. Enrique VIII busca el apoyo de Francisco I para lograr que el Papa le ayude en el tema de su divorcio de Catalina de Aragón, tía de Carlos V. El inglés ya estaba liao con la Bolena, con la que se casará en secreto el 25 de enero de 1533, estando ella preñada. Esto le mola al rey Francés, que ve en esto un distanciamiento entre la casa de Inglaterra y el Emperador Alemán, su principal enemigo.

Después se precipitan los acontecimientos: el 23 de mayo, Thomas Cranmer, entonces ya arzobispo de Canterbury, sustituye al papa y anula el matrimonio de Enrique VIII con Catalina de Aragón. El 1 de junio, Ana Bolena es coronada en la abadía de Westminster.

Finalmente, todo esto acarreará, el 23 de marzo de 1534, la excomunión de Enrique VIII por Clemente VII y el cisma entre la Iglesia de Inglaterra y la Iglesia de Roma.

La obra muestra a Jean de Dinteville, a la izquierda, embajador de Francia en Inglaterra en 1533, junto a su amigo Georges de Selve, obispo de Lavaur, así como embajador ante el Emperador romano germánico, la república de Venecia y la Santa Sede. Ambos personajes tuvieron mucho que ver con toda la movida de la que os hablaba antes.

Aparte de estas referencias históricas, el cuadro tiene muchas más cosas interesantes: por un lado destaca que, pese a que se trata supuestamente de un retrato de los dos embajadores, no aparecen en primer plano ni ocupan el centro de la obra. Por un lado, entre ellos, representó un mueble con dos estantes llenos de objetos con un alto contenido simbólico, como veremos a continuación. Por otro lado, el primer plano lo ocupa la extraña forma de la que luego hablaremos. 

La estantería inferior contiene varios objetos: un globo terráqueo, un libro de aritmética de Petrus Apianus, matemático y astrónomo de la universidad de Ingolstadt (Alemania), mantenido abierto por una escuadra, un laúd con una cuerda rota (algo que según algunos simboliza la perdida de armonía de la Iglesia), un libro de himnos luteranos, completamente abierto sobre dos páginas que muestran una partitura y un grupo de flautas. Al fondo además, se adivina un compás… (escuadra y compás…)

Es decir, objetos relacionados con la geografía, las matemáticas y la música.

Pero hay más: el globo terráqueo muestra varias notas geopolíticas interesantes: la línea de división del mundo entre españoles y portugueses establecida por el tratado de Tordesillas de 1494; la circunnavegación de Magallanes; El nuevo mundo, en particular la costa brasileña. 

La estantería superior contiene otros objetos curiosos: sobre una alfombra muestra varios instrumentos astronómicos o de medición del tiempo (relojes de sol). George de Selve apoya su codo sobre un libro en cuyo canto se lee la mención: ÆTATIS SVÆ 25, que corresponde a la edad de Georges de Selve, que tiene 25 años en la primavera de 1533. A la izquierda y cerca de Dinteville, se ve una esfera celeste que muestra las constelaciones con trazos de los seres mitológicos correspondientes.

Y por fin llegamos a la misteriosa imagen del primer plano, a veces llamada hueso de sepia, y que intrigó durante mucho tiempo a los analistas del cuadro. ¿Sabéis lo que es o no?

Pues se trata de un cráneo deformado por una anamorfosis, una deformación reversible de una imagen producida mediante un procedimiento óptico (como por ejemplo utilizando un espejo curvo), o a través de un procedimiento matemático. Es un efecto perspectivo utilizado en arte para forzar al observador a un determinado punto de vista preestablecido, desde el que el elemento cobra una forma proporcionada y clara.

En este caso, para poder ver el cráneo, puede utilizarse el dorso de una cuchara. Se pone la cuchara en la parte superior del hueso, a la derecha. El dorso de la cuchara debe apuntar hacia la izquierda y ponerse perpendicular a la imagen del cuadro. Colocando la mirada frente al dorso de la cuchara y modificando su orientación, se observa fácilmente el cráneo.

Esto fue descubierto siglos después de la confección de la obra, en el siglo XX , por un historiador del arte llamado Jurgis Baltrusaitis: “Un objeto singular, parecido a un hueso de sepia, flota por encima del suelo: es la anamorfosis de un cráneo que se endereza cuando se pone cerca, arriba, mirando hacia la izquierda. Un sentido oculto y una solemnidad pesan gravemente en toda la escena”. Jurgis Baltrusaitis, Anamorphoses, ou Thaumaturgis opticus, Flammarion

La calavera, que proyecta la sombra de la muerte en el suelo, era la insignia personal de Dinteville (que tiene una calavera de plata en la capa) y que no estaba demasiado sano en aquella época.

El contraste de este cráneo con el tema principal de esta pintura que representa a dos hombres importantes, un embajador de Francia ante la corte de Inglaterra, cuyo hermano es también embajador ante el papado y un obispo descendiente de una familia de ricos comerciantes, hace de ella una vanidad, una obra que simboliza que lo que es importante en la Tierra no lo es en el reino de los cielos, que lo que se ha hecho en nuestra vida, la muerte lo deshace.

Mas info y fuentes por aquí: http://es.wikipedia.org/wiki/Hans_Holbein_el_Joven, aquí: http://es.wikipedia.org/wiki/Los_Embajadores, aquí: http://es.wikipedia.org/wiki/Anamorfosis y aquí: http://www.biografiasyvidas.com/biografia/h/holbein.htm, aquí: http://cv.uoc.edu/~04_999_01_u07/percepcions/perc63a.html. Aquí podéis ver el cuadro con una definición enorme: http://upload.wikimedia.org/wikipedia/commons/8/88/Hans_Holbein_the_Younger_-_The_Ambassadors_-_Google_Art_Project.jpg. Y aquí un video: http://www.youtube.com/watch?v=yYcxdu1yUsM.

EL TEATRO INCA.

Entre los incas existían dos géneros teatrales perfectamente diferenciados que eran representados por grupos de comediantes llamados pukiskulla, llamallama: el wanka, de carácter histórico para rememorar la vida y hazañas de los reyes y el aránway, sobre asuntos cotidianos y ligeros, que sirvieron para preservar gran parte de la historia de los incas y de su identidad cultural. El drama más conocido es Ollantay, que luego de la rebelión de Tupac Amarú en 1781 fue prohibido y se establecieron duras penas a quienes asistieran a su representación, por su mensaje revolucionario. También se mencionan como obras preservadas en los pueblos quechuas de Perú y Bolivia los dramas Uska Paukar y Tragedia del fin de Atahualpa.

En varios testimonios de los cronistas, se dice que existieron numerosas obras de teatro inca que se representaban a la llegada de los españoles, pero la mayoría de ellas desaparecieron por la prohibición de los misioneros y las autoridades de la corona al considerar que mediante ellas se recordaban a los héroes del pasado y por lo tanto tenían un carácter subversivo. A este mismo género pertenece Ollantay, tal vez la expresión más acabada del teatro prehispánico inca que asimiló algunos aspectos formales del teatro europeo, pero que ofrece un nivel de autenticidad importante de la cultura inca, conforme puede verse al analizar sus aspectos más relevantes.

OLLANTAY

La obra se basa fundamentalmente en un drama amoroso y guerrero, en que Ollantay, héroe del Antisuyo y líder de los hombres de la sierra, está enamorado de Cusi-Cuillur, Estrella, hija del Inca Pachacútic, pide su mano a este y como le es negada, se rebela contra el poder del Inca; regresa a la provincia de Ollantaytambo y es proclamado rey de los Andícolas. Tiempo después, mediante engaños y aprovechando el jolgorio y la bebida, es tomado prisionero y llevado al Cuzco, donde el Inca Pachacútic ya ha muerto y lo sucede su hijo Tupac-Yupanqui; este ignora la historia de su hermana y el jefe guerrero, lo perdona y lo nombra segundo en mando del Imperio, como jefe del Cuzco.
En escenas anteriores, se sabe que Estrella ha quedado embarazada siendo repudiada por el Inca y confinada a la reclusión del Ayahuasi, Casa de las Vírgenes del Sol; ha tenido una hija, Ima Sumaj, Bella, quien fue destinada a vivir también allí, pero la joven no quiere aceptar esta vida y añora la libertad. Descubre que en aquel lugra una mujer sufre, sin saber que es su madre, e intercede por ella ante el nuevo Inca Tupac-Yupanqui. Este accede a ir a Ayahuasi y comprueba el estado lamentable de su hermana Estrella. La perdona y facilita la unión de esta con Ollantay, en un final melodramático de evidente influencia occidental.
La obra ha sido dividida tanto en tres como en cinco actos, conforme los criterios de sus diferentes versiones, siendo la más próxima a la concepción episódica del teatro quechua la que no está dividida en partes, sino que es fraccionada en quince escenas que corresponde a los cambios de lugar de la acción y corresponde a la versión de Pacheco Zegarra.
Se ha discutido mucho sobre la autenticidad del origen, pues existen opiniones diversas sobre su procedencia incaica, europea o sobre su índole ecléctica, teniendo en cuenta la existencia de numerosas leyendas quechuas sobre temas similares al asunto de la obra y en particular de la naturaleza del lenguaje.

Investigadores concluyen en que su origen es incaico, por varias razones: la trascendencia religiosa, los pensamientos esotéricos y el sentido hermético de varios diálogos -en particular los del Astrólogo-, la verosimilitud y el realismo de la obra que están acordes con el sentido pragmático de la organización del Imperio de los Incas, el carácter histórico del drama, referido ampliamente por Garcilazo de la Vega en sus Comentarios reales, pero sobre todo por la unidad del runasimi o idioma de la gente, pues el quechua de la pieza es arcaico, así como la rima, la métrica y los estribillos de los jarawi incorporados; aunque es evidente que su estilo fue permeado por la cultura occidental. La obra constituye una muestra del avance en la expresión dramática del pueblo inca y las interpolaciones occidentales no desvirtúan la autenticidad precolombina.

Fuente: http://www.utp.edu.co/~chumanas/revistas/revistas

IMPRESIONISMO. Camille Pissano.

Camille Pissano. (1830-1903)

Camille Pissarro fue un pintor impresionista francés con un destacado papel como guía artístico de su época.

Después de recibir una educación general en París fue empleado en la oficina de comercio de su padre en su ciudad natal hasta 1852, fecha en que abandonó su casa para trasladarse a Venezuela, como ayudante del pintor dinamarqués Fritz Melbyl.

En 1855 su familia se trasladó a París y él se reunió pronto con ella. Los pintores más importantes entonces en París eran Corot y Courbet, y Pisarro hubo que sufrir su influencia. Hacia 1866 se unió a Manet, Monet, Renoir, Sisley y Guillaumin, grupo de estudiantes influidos por Courbet y de cuyos experimentos y descubrimientos respecto de los valores como distintos del claroscuro, nació el impresionismo .

De 1868 a 1871 Pissarro vivió en Louveciennes, que estaba en la línea del avance prusiano hacia París, y habiendo los alemanes ocupado su casa, destruyeron todas sus pinturas. Entre tanto Pissarro se había refugiado en Inglaterra, estableciéndose en Londres, en Sydenham, de cuyas cercanías pintó numerosos paisajes. Él y Claudio Monet fueron invitados a presentar sus obras en la Real Academia, pero solo como extranjeros distinguidos, puesto que los artistas independientes ingleses eran tratados en Londres precisamente como Monet y Pissarro eran tratados en París.

Año tras año, el Salón se negó a exponer sus obras, y junto con otros impresionistas, se decidieron a exponerlas en otro local por su cuenta (1874-1886). Sin embargo, antes de esta decisión algunos de sus paisajes fueron aceptados en los Salones de 1859, 1864, 1865, 1866, 1868, 1869 y 1870.

Hasta 1866 pintó con gama sobria, a la manera que prevalecía entre los pintores influidos por Corot y Courbet. Sus obras de esta época de verdes austeros y grises sombríos constituyen lo que podría llamarse su manera negra. Su ascensión progresiva hacia la plena luz y yuxtaposición brusca de colores la debió a la influencia de Manet.

Vuelto a Francia, se estableció en Pontoise, donde vivió de 1872 a 1882. En esta época se comunicó frecuentemente con Vignon y Cézanne, trabajando junto a ellos, y adquiriendo un colorido esplendente, sugerido por el de Cézanne. Establecido en Pontoise, cesó de enviar obras al Salón y, en cambio, expuso en todas las exhibiciones de independientes, ayudando activamente a la manifestación del impresionismo .

Pisarro es el pintor de la naturaleza agreste y de la vida rústica. Nunca buscó motivos raros ni horizontes excepcionales, ni embelleció las cosas. Por esto sus obras causaron entonces repugnancia, porque el público los consideraba vulgares y groseras, no pudiendo comprender el encanto de aquella sencillez natural. En 1883 se estableció en Eragny-Razincourt, y habiendo enfermado de la vista y no pudiendo soportar la intemperie, trasladó su residencia en Ruán, dedicándose a la pintura de escenas urbanas, interiores domésticos y otros asuntos semejantes, y pasando luego a París, donde aumentó su ya gran producción con admirables vistas de la gran ciudad.

Pissarro trabajó mucho al óleo, a la aguada, al aguafuerte y a la litografía. De sus obras, merecen mencionarse: Paisaje de Montmorency, Orillas del Marne, Ruta de Cachalas a la Roche Guyon, Otoño, La carretera de Louveciennes, Efecto de nieve, Orillas del Oise, Sendero a través de los campos, La recolección de manzanas, Vista de Ruán…

Pissarro está representado en la Sala Caillebotte de Luxemburgo, y en casi todas las colecciones de pintura impresionista. Varias de sus mejores obras están en la Colección Durand-Ruel, de París.

Extraído de http://www.artelista.com/

ESTADOS de ANIMO.

A veces me siento como un águila en el aire ..
(A propósito de una canción de de Pablo Milanés)

Unas veces me siento
como pobre colina,
y otras como montaña
de cumbres repetidas,
unas veces me siento
como un acantilado,
y en otras como un cielo
azul pero lejano,
a veces uno es
manantial entre rocas,
y otras veces un árbol
con las últimas hojas,
pero hoy me siento apenas
como laguna insomne,
con un embarcadero
ya sin embarcaciones,
una laguna verde
inmóvil y paciente
conforme con sus algas
sus musgos y sus peces,
sereno en mi confianza
confiando en que una tarde,
te acerques y te mires..
te mires al mirarme.

Benedetti.

UNAMUNO y el ORIGAMI.

El origami es el arte de origen japonés consistente en el plegado de papel, para obtener figuras de formas variadas. En español también se le puede decir principalmente papiroflexia o cocotología, aunque se le conoce más por su nombre oriental, origami.
En el origami no se utilizan tijeras ni pegamento o grapas, tan sólo el papel y las manos. Por lo tanto, con sólo algunas hojas de papel pueden obtenerse distintos cuerpos geométricos, incluso a veces, poliedros o figuras parecidas a la realidad. Las distintas figuras obtenidas a partir de una hoja de papel pueden presentar diferentes áreas y varios volúmenes.

El origen de la palabra procede de los vocablos japoneses "oru" (plegar) y "kami" que designa al papel (Origami).
Pero éste no ha sido su único significado, ya que a través del tiempo este arte ha tenido cambios en el nombre que lo identifica. En los primeros siglos de su existencia, se le llamaba Kami por el significado que se había creado para papel, que en realidad es homónimo de la palabra que usan para los espíritus de los dioses.
Pasaron los siglos y tomó el nombre de Orikata, que significa en español "ejercicios de doblado". No fue hasta 1880 que se desarrolló la palabra Origami a partir de las raíces "Oru" y "Kami", antes mencionadas.

Uno de los centros importantes en el género del origami es España, en donde asignaron el vocablo papiroflexia al arte geométrico de hacer plegados para figuras en papel.

El origami llegó a Occidente cuando había terminado la Ruta de la Seda al Este Cercano. El papel hizo su aparición cuando Marco Polo llevó el origami en el siglo XIII, pero no fue bien recibido por los europeos. En el Occidente prefirieron el pergamino para empapelar.
El papel no duró más que el pergamino pero se aceptó finalmente por las ventajas que tenía a favor: porque era más fácil de manipular y el producto era menos caro. La invención de la prensa ayudó después en su aceptación.

Sus orígenes también se remontan a la Invasión árabe en el siglo VIII, cuando trasladaban los prisioneros chinos a Samarcanda en el año 751. De los prisioneros aprendieron a hacer y a doblar papel, inicialmente figuras clásicas simples como animales. Desde que la religión musulmana prohibió la representación del ser humano y las formas animales en el arte, por la creencia de la idolatría a imágenes, entonces sus investigaciones en papiroflexia iban dirigidas al estudio de formas geométricas y el estudio matemático de los patrones lineales que quedan al doblar el papel. Como máxima expresión de esta actividad fueron los edificios de arquitectura morisca, en la cual utilizaron esos mismos patrones para su diseño.

Existen actualmente una infinidad de teoremas y principios relacionados con el doblado de papel, muchos de los cuales han desarrollado nuevos conceptos de matemática aplicada, como por ejemplo en la topografía.


En lo que respecta a los países hispanohablantes, tanto en España como Ámerica del Sur, quien introdujo realmente y propulsó el origami, fue el escritor español Miguel de Unamuno alrededor de la década de 1930. Ya que hasta entonces, el origami apenas había tenido influencia en la península, pues pese a haber sido introducido por los árabes, en la Europa Medieval lo que se utilizaba era el papiro, un material bastante 'tosco' si lo comparamos con el ligero papel de arroz oriental. Por eso, cobra notoria importancia Miguel de Unamuno pues es el primero que realmente se tomó en serio hacer "pajaritas de papel".

Otro de los aspectos por los que se destacó fue por escribir, además de multitud de obras literarias de gran relevancia, una especie de tratado acerca de la 'cocotología'; término creado por el propio Unamuno para designar al origami, que deriva de 'cocotte' que significa algo así como 'gallina' o 'pajarita' en francés. Además, Miguel de Unamuno publicó varios libros de plegado, entre ellos el ensayo "Amor y Pedagogía", donde habla del origami en el apéndice.

Así pues, Miguel de Unamuno además de su consecuencias en la península ibérica, tuvo también una enorme influencia en América del Sur. Es más, podríamos decir que es el padre de la papiroflexia hispanoamericana pues, al igual que en España, la papiroflexia tenía hasta entonces muy poca relevancia.
Sin embargo, la papiroflexia como tal, tuvo mayor aceptación en América del Sur donde hoy día tiene muchos seguidores y han surgido grandes papirofléxicos como por ejemplo los argentinos Vicente Solórzano Sagredo y Ligia Montoya quienes practicaron la papiroflexia, dándole gran importancia a este arte de plegados y figuras inimaginables.

Fuente: Wikipedia

MIERDA DE ARTISTA

Perpetrado por Oskarele

El otro día nuestra compañera Beta nos comentaba la historia de listo de Gary Dahl, que en los setenta se dedicó a vender rocas, piedras, a modo de mascotas, eso sí, envueltas en una bonita caja, al módico precio de 3.95 pavos cada una (lo que le permitió forrarse de mala manera al colega, pues vendió más de un millón). Pues bien, si pensabais que esto es el colmo de la tontería humana, estabais equivocados. Hay un señor, supuestamente artista, aun más listo que este, que vendió sus propias heces a precio de oro. Literalmente hablando…

Se trata de Piero Manzoni, supuesto artista italiano, que vivió treinta años solo (entre 1933 y 1963), y que se dedicó a una de estas extrañas vanguardias del arte moderno, exactamente a una conocida como “Arte conceptual”… y se dedicó a hacer cositas como, por ejemplo, imprimir su huella dactilar en varios huevos duros y considerarlo arte, o una “base mágica” en la que una persona, al subirse encima, se convertía en una obra de arte andante… llegó incluso a crear “La Base del Mundo”, exhibiendo, de esta manera, el planeta entero como una obra de arte…

Llámenme clásico pero esto es una mierda.

Chiste fácil.

Porque a este genial artista se le ocurrió en el 61, perdón por ser tan explicito, poner sus propias mierdas (no me refiero a sus obras de arte, sino a sus heces, biológicamente hablando), en 90 latas de metal de 5 centímetros de alto y 6.5 de diámetro, colocándoles, en un derroche de ingenio, en el lateral una etiqueta con las palabras “Mierda de Artista" en italiano, francés, inglés y alemán. Junto a esto: “contenido neto 30 gramos, conservada al natural, producida y enlatada en el mayo de 1961"…

Merda d’artista, Merde d’artiste, Artist’s shit y Künstlerscheiße.

Y no vayan a pensar ustedes que las regaló.
Las vendió, y caras. El precio era el del peso de la lata con su contenido al precio del oro según la cotización del día. Aproximadamente unos 30 gramos.

Se vendieron bien. Y algunas fueron a parar a museos de la dimensión del Museu d’Art Contemporani de Barcelona, el centro Georges Pompidou de París, la TATE Gallery o el MOMA de Nueva york.

Algunas latas, lamentablemente, han explotado por la expansión de los gases en su interior, según menciona la whiskypedia… no quiero ni pensarlo.

Murió a causa de un infarto de miocardio en su estudio de Milán en 1963.

Pero resulta que hace poco se ha descubierto que aquellas latas no contenían los detritus de este señor, sino, simplemente un poco de yeso. Con lo que el fraude se convierte en doble: no solo vendió su mierda en los sesenta a precio de oro, sino que ni siquiera era su mierda.

Ver para creer.

Mas info y fuentes por aquí: http://es.wikipedia.org/wiki/Piero_Manzoni, aquí:http://www.pieromanzoni.org/SP/biografia.htm, aquí: http://www.elmundo.es/magazine/num121/textos/arte.html, aquí: http://islakokotero.blogsome.com/category/piero-manzoni/, y aquí: http://www.pieromanzoni.org/SP/obras_mierda.htm.

PINTANDO CON LOS LABIOS.

Natalie Irish de Houston, Texas, posee una técnica para pintar bastante curiosa, la cual consiste en llenar sus labios con lápiz labial, para posteriormente presionar sus labios contra un lienzo en blanco.

Al variar la presión de sus besos, puede crear imágenes de gran tamaño y matiz.

Comenta que aprendió a pintar cuadros con las huellas dactilares en la escuela secundaria, pero que realmente todo comenzó cuando se estaba preparando para ir a un espectáculo una noche y se puso un poco de lápiz labial rojo. Cuando lo transfirió a una hoja de papel se le ocurrió la idea, comenzó a experimentar y decidió que Marilyn Monroe sería la candidata perfecta para un retrato con besos.

Reconoce que sus labios se ponen muy cansados, y que posee "muchos tubos de lápiz labial y chapstick”, además de que los ojos también se cansan por el constante movimiento de acercamiento y alejamiento para examinar su trabajo.

Fuentes: http://www.taringa.net/posts/info/11595101/Natalie-Irish-la-artista-que-pinta-con-sus-labios.html
http://www.rinconabstracto.com/2011/07/besos-llenos-de-color-retratos.html

REVELACIONES.

En la noche a tu lado
las palabras son claves, son llaves.
el deseo es rey.

Que tu cuerpo sea siempre
un amado espacio de revelaciones.

Alejandra Pizarnik.

ELEGIR MI PAISAJE.

ELEGIR MI PAISAJE.

Si pudiera elegir mi paisaje
de cosas memorables, mi paisaje
de otoño desolado,
elegiría, robaría esta calle
que es anterior a mí y a todos.

Ella devuelve mi mirada inservible,
la de hace apenas quince o veinte años
cuando la casa verde envenenaba el cielo.
Por eso es cruel dejarla recién atardecida
con tantos balcones como nidos a solas
y tantos pasos como nunca esperados.

Aquí estarán siempre, aquí, los enemigos,
los espías aleves de la soledad,
las piernas de mujer que arrastran a mis ojos
lejos de la ecuación dedos incógnitas.

Aquí hay pájaros, lluvia, alguna muerte,
hojas secas, bocinas y nombres desolados,
nubes que van creciendo en mi ventana
mientras la humedad trae lamentos y moscas.

Sin embargo existe también el pasado
con sus súbitas rosas y modestos escándalos
con sus duros sonidos de una ansiedad cualquiera
y su insignificante comezón de recuerdos.

Ah si pudiera elegir mi paisaje
elegiría, robaría esta calle,
esta calle recién atardecida
en la que encarnizadamente revivo
y de la que sé con estricta nostalgia
el número y el nombre de sus setenta árboles.

Benedetti.

Friedrich Nietzsche

"Que seria de tu felicidad, radiante astro, si no tuvieras aquellos para los que brillas."
Friedrich Nietzsche

MARY CASSALT.

Mary Cassatt era hija de un banquero norteamericano quien nunca se mostró favorable al deseo de Mary de tener una carrera artística.
Toda la familia Cassatt se trasladó a París en 1851, viviendo algunos años en Alemania. En 1861 Mary estudia en la Pennsylvannia Academy of Fine Arts de Filadelfia durante cuatro años, donde obtendrá un acento académico que llevará consigo a París cuando en 1868 estuvo en el taller de Chaplin, aunque tampoco influyera este pintor académico excesivamente en su estilo.

En estos años encontramos en ella cierta atracción hacia la pintura de Courbet. Inicia un viaje por Italia en 1871, descubriendo una profunda admiración por Velázquez y Rembrabdt lo que le motivará a viajar a España y a Holanda. Instalada definitivamente en París en 1877, se inicia su relación con Degas - algunos la llegan a considerar como su alumna - quien le recomienda integrarse en el grupo impresionista.

A partir de ese momento su estilo se acerca más a Renoir y a Degas, participando en cuatro de las ocho exposiciones impresionistas con sus cuadros de niños y mujeres, temas que serán sus favoritos. En 1891 empezó su exponer en solitario en la galería Durand-Ruel, que se convirtió en su camino. Debido a su desahogada situación económica, Mary compró un buen número de obras a sus compañeros e incluso animó a algunos millonarios norteamericanos a que invirtieran en pintura impresionista. Sus continuos viajes la llevan a numerosos lugares europeos e incluso a Oriente Medio.

A partir de 1912 se pone de manifiesto en Mary una ceguera parcial que provocará la pérdida progresiva de visión, abandonando la pintura justo en el momento en el que empieza a recibir honores como la Legión de Honor francesa o la medalla de oro de la Pennsylvania Academy of Art.

Gracias a su trabajo, el Impresionismo se introdujo con fuerza en los Estados Unidos. También destaca su faceta como grabadora en la que muestra una marcada influencia de la estampa japonesa.

Extraído de http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/1528.htm
http://es.wikipedia.org/wiki/Mary_Cassatt

FLOTANDO EN EL VIENTO.

¿Cuántos caminos debe recorrer un hombre
antes de que le llaméis hombre?
¿Cuántos mares debe surcar la blanca paloma
antes de dormir sobre la arena?
¿Cuántas veces deben volar las balas de cañón
antes de ser prohibidas para siempre?
La respuesta, amigo mío, está flotando en el viento,
la respuesta está flotando en el viento,

¿Cuántas veces debe un hombre mirar hacia arriba
para poder ver el cielo?
¿Cuántos oídos debe tener un hombre
para poder oír a la gente llorar?
¿Cuántas muertes serán necesarias para que comprenda
que ya ha habido demasiados muertos?
La respuesta, amigo mío, está flotando en el viento,
la respuesta está flotando en el viento,

¿Cuántos años puede permanecer una montaña
antes de ser arrastrada al mar?
¿Cuántos años pueden algunas gentes vivir
antes de conocer la libertad?
¿Cuántas veces puede un hombre volver la cabeza
fingiendo no ver nada?
La respuesta, amigo mío, está flotando en el viento,
la respuesta está flotando en el viento.

Bob Dylan (Versión de Marcelo Covian.)
Nacido bajo el nombre de Robert Allen Zimmerman el 24 de mayo de 1941 en Duluth, Minnesota, optó por el nombre de Bob Dylan desde muy joven, en honor al poeta galés Dylan Thomas.
Desde la década del sesenta, cuando empezó a escribir canciones sobre temas sociales y filosóficos con un hondo fondo poético, se convirtió en uno de los artistas más influyentes de la cultura norteamericana.
Galardonado con innumerables premios por su trayectoria musical, ha sido distinguido además, con doctorados honorarios en música por las Universidades de Princeton, New Jersey, y St. Andrews, Scotland, en 1970 y 2004 respectivamente; Orden de las Artes y las Letras de Francia en 1990; Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 2007; Premio Pulitzer Special Citation en 2008, y National Medal of Arts de EE.UU. en 2009.

MASCARAS

La palabra máscara tiene origen en el masque francés o maschera en italiano o másquera del español. Los posibles antepasados en latín son mascus, masca que significa fantasma, y el maskharah árabe, bufón.

El uso de las máscaras se remonta a la más lejana antigüedad. Se las encuentra entre los egipcios, griegos y romanos. Los griegos las empleaban en las fiestas dionisiacas; los romanos durante las lupercales y las saturnales y además en las representaciones escénicas.
Durante la Edad Media hubo mucha afición a los disfraces y máscaras, incluso en las fiestas religiosas. Además, en los torneos, había caballeros que no querían ser conocidos y combatían con máscara. Pero el mayor uso de la máscara fue en Venecia, durante el Carnaval.
Entre los griegos y romanos, las máscaras eran una especie de casco que cubría enteramente la cabeza y además de las facciones del rostro, tenía pelo, orejas y barba habiendo sido los griegos los primeros en usarlas en sus teatros.

Las primeras máscaras se hicieron de corteza de árbol, luego fueron de cuero forrado de tela y por último las hacían de marfil o de madera para que tuvieran más consistencia. Desde el siglo XVI al XVIII las damas adoptaron las máscaras con el nombre de antifaces para resguardarse del sol.

Actualmente se usan en funciones rituales, sociales y religiosas, donde los participantes representan figuras espirituales o legendarias. En algunas culturas también se cree que el usar una máscara permitirá que el portador tome las cualidades de la representación de esa máscara; es decir, una máscara de leopardo inducirá al portador a convertirse o actuar como leopardo.

En México y Centroamérica, la mayoría de las ciudades tienen nombre cristiano y nombre indígena, por ejemplos, Tianguistenco, Santiago Tianguistenco, o Santa María Axixitla. Todos los santos cristianos tienen un día específico en el año dedicado a ellos, y cada ciudad típicamente tiene un festival durante ese día, implicando la combinación de las tradiciones cristiana e indígena. Estos festivales incluyen con frecuencia los desfiles y teatro callejero donde actúan una historia. Las máscaras y los trajes de estos festivales se convierten en artículos de colección. Una máscara utilizada en tales festivales se denomina como máscara «danzada». Estas máscaras pintadas hechas a mano, se fabrican típicamente con madera y pueden utilizar cuerdas, cuernos o dientes animales, o caucho de los neumáticos como ornamentos.

En África, especialmente centrados en el oeste de África, las máscaras también desempeñan un papel importante en las ceremonias tradicionales y danzas de teatro. Todas las máscaras africanas caen en una de cuatro categorías: espíritus del antepasado, héroes mitológicos, la combinación del antepasado y el héroe, y los espíritus animales.

Bueno, también sirven para entretenimiento en las celebraciones en carnavales de algunas partes del mundo; Venecia es la ciudad más famosa por esto. La máscara es una parte indispensable del traje de un personaje particular como el arlequín.

Fuente: http://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%A1scara
http://es.wikipedia.org/wiki/Archivo:Nzambe-Kana_masque.jpg

TEST.

Hoy me hicieron un test/ el decisivo
tengo alergia a la nuez al humo al polvo
a la estremecedora belleza de la iguana
y al concierto de piano de rachmáninof
a las bruscas galernas de noviembre
y al importuno celo de los oportunistas
a la oculta violencia de los conciliadores
al papamóvil y a las pompas fúnebres

hoy me hicieron el test/ todo está claro
tengo alergia a la soja al ácaro y al moho
a risas y sonrisas de hienas y giocondas
a la mano que esconde napoleón bonaparte
a la otan el usis el kgb y la cia
y al inútil paraguas contra el viento
al débil sindicato de los zánganos
y al matriarcado de la abeja reina

hoy me hicieron el test/ al fin me entero
tengo alergia al coñac/ al tomate/ al tanino
a los monos en jaulas/ al doblaje en el cine
a la picana eléctrica/ a la hora del ángelus
y hasta a los presidentes con pulcro bisoñé
al opus dei y a los posmodernistas
a los gaudeamus y a las cuchipandas
y/ no faltaba más/ a los tests sobre alergias.

Benedetti.

MUCHO MAS GRAVE.

Todas las parcelas de mi vida tienen algo tuyo
eso en verdad no es nada extraordinario
vos lo sabes tan objetivamente como yo.
Sin embargo hay algo que quisiera aclararte,
Cuando digo todas las parcelas,
no me refiero sólo a esto de ahora,
a esto de esperarte y aleluya encontrarte,
Y carajo perderte,
Y volverte a encontrar,
Y ojala nada más.
No me refiero a que de pronto digas, voy a llorar
Y yo con un discreto nudo en la garganta, bueno llora.
Y que un lindo aguacero invisible nos ampare
Y quizas por eso salga enseguida el sol.
Ni me refiero a solo a que día tras día,
aumente el stock de nuestras pequeñas y decisivas complicidades,
o que yo pueda creerme que puedo convertir mis reveses en victorias,
o me hagas el tierno regalo de tu más reciente desesperacion.

No.
La cosa es muchísimo mas grave.
Cuando digo todas las parcelas
Quiero decir que además de ese dulce cataclismo,
también estás reescribiendo mi infancia,
esa edad en que uno dice cosas adultas y solemnes
y los solemnes adultos las celebran,
y vos en cambio sabés que eso no sirve.
Quiero decir que estas rearmando mi adolescencia,
ese tiempo en que fui un viejo cargado de recelos,
y vos sabés en cambio extraer de ese paramo,
mi germen de alegria y regarlo mirándolo.
Quiero decir que estas sacudiendo mi juventud,
ese cántaro que nadie tomó nunca en sus manos,
esa sombra que nadie arrimó a su sombra,
y vos en cambio sabes estremecerla
hasta que empiecen a caer las hojas secas,
y quede la armazón de mi verdad sin proezas.
Quiero decir que estas abrazando mi madurez
esta mezcla de estupor y experiencia,
este extraño confín de angustia y nieve,
esta bujía que ilumina la muerte,
este precipicio de la pobre vida.
Como ves es más grave,
Muchísimo más grave,
Porque con estas o con otras palabras,
quiero decir que no sos tan sólo,
la querida muchacha que sos,
sino también las espléndidas o cautelosas mujeres
que quise o quiero.

Por que gracias a vos he descubierto,
(diras que ya era hora y con razón),
que el amor es una bahía linda y generosa,
que se ilumina y se oscurece,
según venga la vida,
una bahía donde los barcos llegan y se van,
llegan con pájaros y augurios,
y se van con sirenas y nubarrones.
Una bahía linda y generosa,
Donde los barcos llegan y se van.

Pero vos,
Por favor,
No te vayas.

Benedetti.